sábado, 30 de abril de 2011

¿Arte o no arte?, he ahí el dilema.

     Compañeros, al igual que algunos, a mí también me quedó dando vueltas en la cabeza la discusión de una de las clases pasadas acerca de lo qué podía ser considerado como arte y qué no y, por eso, me gustaría darles mi opinión sobre este tema. Nótese que van a leer la opinión de alguien que está más ligado a las ciencias exactas que al mundo de las artes, una persona que en su diario vivir ve más números y fórmulas que pinturas y obras teatrales. Aun así, el arte me parece un tema interesante.

     La Real Academia Española define la palabra arte como: "Manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo real o imaginado con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros". Buscando en otros diccionarios encontré también esta definición: "Actividad que requiere de un aprendizaje y a su vez puede limitarse a una habilidad técnica; como al mismo tiempo ampliarse hasta el punto de incluir una visión particular del mundo." Y así podríamos seguir buscando definiciones que se acercaran a lo que realmente es el arte.

     En particular, para estas dos definiciones citadas en el párrafo anterior, podemos encontrar una diferencia fundamental: el aprendizaje. ¿Es el arte una disciplina para la cual sea imprescindible haber recibido algún tipo de enseñanza para llevarla a cabo? En mi opinión, no.

     Para mí, el arte es un lenguaje, el cual tiene como objetivo expresar sentimientos y emociones, experiencias de vida, en general, el interior y la imaginación del artista. Con lenguaje me refiero a que una obra se encuentra en el camino de “ser arte” en la medida en que pueda ser entendida por los receptores, es decir, que estos puedan captar en cierto grado (no digo que a cabalidad) el estado anímico del autor, o bien, la situación puntual que quiere expresar. Hay que destacar que este lenguaje no es único y se puede materializar de distintas maneras, como lo es la pintura, los movimientos corporales, la música, la escultura, etc.

     Hasta el momento he hecho alusión a lo que sería el “sentido de la obra”, que es el de comunicar, pero esta condición no es suficiente, a mi parecer, para que una producción sea calificada como arte. También está el factor belleza. Una obra completa su objetivo cuando “es bella”, lo cual significa que agrade al público y cautive sus sentidos pues, como todos sabemos, la belleza es subjetiva y su percepción cambia de persona en persona. Entonces, en mi opinión, si una obra no agrada, entonces no es arte, a pesar de que ésta tenga, para el autor, un mensaje que entregar. Podría darse el caso, por ejemplo, de que una pintura no me agrade, pero sí a un grupo reducido de personas y si, además, está claro lo que el autor quiere expresar a través de ella, entonces sí podría ser calificada como arte. No soy yo el que tiene que juzgar si es arte o no, por el hecho de que a mí me haya gustado o no.

     Por lo que he dicho hasta ahora, tendríamos dos factores fundamentales para poder discernir qué es arte y que no pero, ¿dónde entra el factor enseñanza y  aprendizaje? Yo pienso de que el arte se puede producir sin conocimiento previo de la estética o de la moda del momento, pues eso explicaría la existencia de los grandes genios de la historia del arte, en donde la habilidad artística era innata. Pero distinto es la “perfección de las capacidades artísticas” en donde sí o sí se requiere algún tipo de enseñanza. Es aquí donde se mejora la técnica de producción y se le da valor agregado a la obra y, por qué no, se la hace más bella. Es en este tema donde entran todas las carreras de la rama del arte, que enseñan a mejorar la destreza y el nivel expresivo de sus estudiantes hasta el punto que, eventualmente, se puede vivir del arte.

     Así es como yo veo el arte, como un “bello lenguaje”, espero que se haya entendido mi punto de vista y acepto opiniones.

viernes, 29 de abril de 2011

El arte limitado al rupturismo

Límites. Somos sometidos constantemente a restricciones, prohibiciones y condiciones. No debemos hacer ciertas cosas; sólo debemos llegar hasta cierto punto. Querámoslo o no, estamos sometidos a constructos sociales sobre qué es correcto o no lo es y, también, conocemos los límites establecidos para ciertas cosas.
Ahora, ¿el arte puede tener un límite?, ¿hasta dónde podemos restringirlo, juzgarlo, vetarlo?
Para partir, y a modo de complementar lo que se ha dicho anteriormente sobre qué es arte y además pensando que éste vendría de nuestra esencia más profunda, agregaría que esto se sintetiza en pura expresión: el arte surge a partir de nuestra necesidad de expresarnos, de materializar lo que se siente; de llevarlo a un plano finito. Debemos recordar que las primeras manifestaciones artísticas surgen cuando los grupos autóctonos utilizaron técnicas complejas, que fueron estudiadas posteriormente en el ámbito artístico, como necesidad de organizarse y plasmar lo que vivían. Incluso podríamos atenernos a la teoría mágica que de hecho complementa la anterior, donde los artistas primitivos (a pesar de que este concepto se vea peyorativamente) eran considerados realmente magos por llevar a lo material algo que para ellos era netamente empírico. Podemos ver, con claridad, una muestra de expresión, de sentir. Muestras de las preocupaciones más íntimas, de realizaciones colectivas en base a la experiencia: no podemos dejar de vincular arte con expresión.
Es por esto mismo que me inquieta el tema de los límites: ¿debemos limitar la expresión?, ¿debemos discriminar si una obra es o no arte? Si la respuesta es afirmativa: ¿entonces debemos juzgar las expresiones humanas? Me parece que si se replantea la pregunta, la respuesta se va tornando aún más difícil y a la vez amplía todavía más el concepto de arte, porque ¿todo lo que se materializa en base a la necesidad de expresar es arte? Creo que dar una respuesta es algo complejo, más aún porque existen cánones establecidos que discriminan entre lo artístico y lo no artístico. Cánones con los cuales no podemos luchar.
Siento que el arte no puede atenerse a cánones y, por ello mismo, no puede tener límites. Partiendo de la base que surge a partir de la expresión, soy partidaria de que el arte no puede establecerse dentro de parámetros y tampoco puede ser juzgado. Esto se dificulta muchísimo cuando el artista, claramente, lucha contra lo moral y lo “socialmente correcto” (constructos con los que, por cierto, no estoy de acuerdo como se podrán haber dado cuenta). Es más, si en una galería vemos un cuerpo humano acuchillado, ¿deja de ser arte? Claro: la opinión genérica será que el artista perdió la cabeza y quiso ser rupturista (ya tocaré este tema más adelante); pero, ¿no puede querer expresar la muerte de una manera diferente? Quizás quiere plasmar una crítica, un sentimiento reprimido, un trauma, una aventura. Entonces les pregunto, ¿quiénes somos para contradecirlo?, ¿vale de algo haber estudiado años de años sobre el arte, su historia, sus movimientos, usos, técnicas si no somos capaces de respetar la diversidad de expresión? Creo que, esta vez, los eruditos no tienen mucho que decir, mucho menos juzgar.
También mencioné un tema relevante, aún cuando se habla de límites, ya que se relacionan de manera más directa de la que podrán creer.
Hay artistas que han sido considerado a través de los tiempos como rupturistas, es decir, que salen del esquema “cotidiano” del artista, ¿realmente son rupturistas? No comparto el concepto. No por el hecho de que se salgan del canon establecido y “normal” de artista significa que están “rompiendo” algo, porque de hecho esa es la idea: no ser igual a todos, innovar y plasmar lo que sienten. Si el concepto de rupturista se relaciona directamente con ser innovadores y distintos al resto, bienvenido sea; pero lamentablemente, en el ámbito social, es entendido como el raro, el que quiere ir en contra de la corriente y es muchas veces juzgado, ya que artistas muy rupturistas comienzan a confundir lo distinto con lo rebuscado y pueden llegar a salirse de su ideología y caer en expresiones que quizás no son las que los motivaron en sus inicios (pero, claro, vemos esto en artistas más contemporáneos y especialmente del yet set popular como directores de cine, cantantes, diseñadores, entre otros)
Tenemos a Walter de María, Robert Morris, Dan Flavin, Alexander McQueen, Francis Baccon, Lady Gaga. Todos ellos presos de su expresión, encapsulados en el concepto de “rupturistas”. Realmente dudo que lo puedan ser. Son genios, claro; ¿rupturistas? No sé hasta qué punto.
Más allá de lo que podamos pensar, y de que tildemos a algunos artistas como “mejores” que otros, la verdad los invito a dejar de lado ese prejuicio. No porque un artista venda más, debe ser mirado en menos por el rubro artístico. Podemos criticarlo constructivamente, mostrarnos en contra de su propuesta, de su concepto. Jamás enjuiciarlo y, mucho menos ponerle límites. El arte no tiene límites, el arte no tiene artistas rupturistas.
La expresión no se limita, no se rompe. El arte…es expresión.     

miércoles, 27 de abril de 2011

Hace algún tiempo me quedo dando vueltas el debate que tuvimos en una clase sobre qué es el arte.. sobre que se podría considerar "arte".. Problematica propia del arte contemporáneo, y que por supuesto nos llega a cada uno de nosotros como incipientes artistas.
Sabemos que este concepto se torna cada mas amplio, y discutiendo la opinión de un compañero que relacionaba la belleza como factor decisivo a qué pudiese considerarce como arte, quisiera exponerles mi mi punto de vista.
Para mí el arte surge de nuestra esencia más profunda, la que llevamos siempre con nosotros mismos, así esta se modifica y expresa según la propia percepción e influencia del externo y como nuestro ser creador se involucra; aflora nuestro imaginario.
Creo que la concepciónn de lo que es el arte a lo largo de la historia del hombre se desarrolla y modifica, a partir de los cambios propios que surgen en los periodos históricos, a si mismo con nuestras propias vivencias, con nuestra memoria. Y estas por supuesto no siempre reflejaran lo mas apolíneo de la vida.
 
Por lo que me gustaría citar a dos artistas que admiro y creo que demuestran aun más que lo bello puede tomar muchas formas. Y que muchas veces salen de los parametros de lo conosido.
 
Vincent Van Gogh , exponente que trasciende los conceptos clásicos, no sólo en técnica sino en temáticas que marcan la crisis de la mimesis.
Abre tematicas del arte a desentrañar los lares más oscuros del hombre, estableciendo un vínculo entre arte y locura. Demostrando en su trabajo un enorme compromiso con él mismo y su propia biografía y cuestionamiento con su época. Vemos en su obra reflejo y relación directa con sus deseos y obseciones, en el sentido de representación y cautela que entregaba en su obra.  En su vida vemos la repercusión clave de la historia, Van Gogh huye de la cuidad para encontrarse a sí mismo, dentro de un mundo desesperanzador abolido por el comercio, el individualismo e inmediatismo. Vuelve al origen, con una misión espiritual de redención, que busca desarrollarla através de su pintura(imagen1). 
Y a su vez se retrata a él mismo(imagen2); vemos como el fondo se torna poético, la expresividad y composición cromática nos crea una atmósfera de movimiento vibrante, nos lleva a su lado oculto y obseso. La mirada transmite dolor intensificado por el uso de azules y rojos.
Para su época la forma de trabajar el color y su pinzelada no era visto como algo "correcto", pero crea una enorme belleza que se sale de la estructura.
 
                                         (imagen 1)

(imagen2)
 
Por otra parte esta Joseph Beuys, fue un artista aleman clave para el siglo XX. Realizo su obra desde distintos campos; escultura, performance, happening, video e instalación.
En su obra logro acercar el arte a todos tipos de público, fue parte de Fluxus un movimiento dadaísta, pero sus acciones contenían algo más que probocar al burgues, un sentido más profundo que lo conectaba con su propia vida y creencias. Lo que lo lleva a mutar del dadá a un arte muy trasendental. 
En su obra integra diferentes disiplinas donde saca al artista visual como practicante de un oficio,a desarrollar su obra a traves de facotres espaciales, linguisticos y sonoros, se integra a si mismo como comunicador y participe de la obra, mas aun los elemento conviven con él. Al incorporarce en la obra, e influenciarla con su autobiografía.
En el siguiente video que les dejo parte una acción de arte que realizó en 1974 " Me gusta América y a América le gusto yo". Beuys convivió por una semana en una sala con un coyote salvaje, su montaje contuvo volumenes compuestos por papel, fieltro y paja, además de apilar diarios americanos como símbolo directo al capitalismo norteamericano. Como argumento crítica la politica estadounidense en la relación de sus pueblos indigenas, donde él sería EE.UU y el coyote los indios norte-americanos. Finalmente logran acostumbrarce, Beuys abraza al coyote.



El acorazado de Potemkin

Me pareció interesante mostrarles esta secuencia de la película "El Acorazado de Potemkin" del director ruso  Sergéi Einstein. Se trata de una película muda, pero el soporte musical y la expresividad de los personajes son suficientes para retratar el drama de la escena. 

martes, 26 de abril de 2011

:)



¿Porqué son asi? pequeños seres capaces de vivir en su propio mundo, sin caos, sin discriminación y odio. En ellos brotan las virtudes más sinceras y puras.
desearia eso, un toque de inocencia, VOLVER A LA NIÑEZ :)

Paris Je t'aime

Esta es una película compuesta de varios cortometrajes, todos realizamos en París y basados en el amor, expresado de distintas formas.

Aquí dejo dos cortometrajes que me gustan mucho, espero que a uds también les gusten :)




lunes, 25 de abril de 2011

El sueño del caracol

Hace ya varios años vi este cortometraje por primera vez... aún se me pone la carne de gallina cuando lo veo. Saludos, y disfrútenlo tanto como yo.

Título: El sueño del caracol.

http://www.youtube.com/watch?v=0iM1alyOR8w

Gilbert Garcin




(Uno de los tantos pie de foto que rondan a este señor)

(...)Tal vez sea superfluo saber hoy cómo sucedieron las cosas; tal vez tenga sentido
dentro de unos años, cuando alguien se empeñe en rastrear su biografía; de lo que
no cabe duda es de que décadas más tarde, sus fotografías permanecerán plenas
de sentido, intemporales. Porque las imágenes de Gilbert Garcin tienen la difícil
concisión e intensidad del poema breve, del relato corto, del aforismo feliz, pero
son y se saben parte de una ficción: dar vida a un personaje que se pregunta por lo
próximo, por lo cotidiano, por el sentido de las cosas, por su estructura. Con aire
entre ingenuo y escéptico, irónico y mordaz, divertido y despistado.

Este hombre empezó su carrera después de jubilarse a eso de los 60 años aprox. Sus fotografías son creaciones de él donde aplica una especie de fotoshop arcaico, literalmente copiar y pegar desde y para sus propias fotos. De hecho a ratos se nota la silueta del corte en las imágenes. La mayoría de las fotos son poses de él y su esposa . El texto anterior refleja sensaciones que me vinieron la primera vez que lo vi, algo que sucedió hace bastante poco. 


CONSTANZA LEIVA
Aquí les dejo un video que realizé en mi liceo con mis compañeros para Artes Visuales el año pasado. Espero les guste. Comenten!

Curiosidad...

Paseándome un rato por la página de la RAE, me encontré con esta curiosidad...

Farándula:
(Del prov. farandoulo).

1. f. Profesión y ambiente de los actores.





Ojalá hoy en día esta palabra quedase relegada a los actores (en acto y también en potencia), y no a los que aspiran serlo por haberse ganado 10 minutitos en la tele.

Saludos.

domingo, 24 de abril de 2011

Quizas no tiene mucho que ver con mi anterior publicación sobre " el cuadro en blanco", pero me pareció una bella forma de entenderlo.

http://mystichealingart.blogspot.com/2009/01/un-cuadro-en-blanco.html

"El cuadro en blanco"

Me acuerdo del día en que comenzamos con el estudio de la dimensión física (soporte) de la obra, antes de llegar a comprender ese tipo de análisis nos encontrábamos en una bella discusión con respecto al universo de reflexión, al   limite entre objetividad-subjetividad,a la valoración de la obra, a los peligros de la moda en el arte,llegando finalmente a  un tema sumamente sensible  "Apertura cultural", y el profesor nos comento acerca de una pintura que sólo se constituía en un lienzo blanco. Nos preguntó sobre si nosotros pensábamos si eso era o no arte. Hubo muchas respuestas, como suele suceder  en las discusiones de teóricos o estudiosos del arte, algunos afirmaban que si, porque ese "cuadro en blanco"  posee un pensamiento o una idea intrínseca. Otros  dijeron que no, que eso no era arte...yo me encontraba entre ellos, para mi por mucho que ese cuadro pudiera producir en nosotros, ya sea preguntas, sensaciones, sentía que para que pudiese convertirse en una obra de arte, carecía de algo, me preguntaba que ¿ Que podría diferenciar una "pintura en blanco" de un texto sobre una pintura en blanco? o ¿Que diferencia puede producir en mi, que esa "idea" sobre un cuadro en blanco me la contaran en vez de  verla?.En fin   ahora que poseemos los conocimientos sobre soporte y contenido.. ¿ Variaran nuestras respuestas?
En mi opinión ese cuadro continua sin ser una  obra de arte, para poder serlo debe poseer un soporte físico que lo sustente, sino se queda sólo en una "buena idea", no se nos hará difícil imaginar ese cuadro blanco sin la necesidad de verlo, ¿que dificultad tuvo el artista al crearlo?. No quiero decir con esto que toda obra de arte debe desplegar un gran esfuerzo pero debe sin duda tener una esencia material que la haga única,que distinga ese cuadro sobre " la relatividad del tiempo" de otro cuadro sobre el mismo tema, o llevándolo al teatro que distinga una adaptación de Rey Lear de otra adaptación del mismo clásico de Shakespeare, una pelicula puede tener un muy buen argumento o tema, pero si su forma de llevarla a cabo no logra expresarlo, pasará desapercibida, no se convertirá en una "Gran obra de arte". 
La relación soporte-contenido es necesaria en toda obra, es su componente esencial, una obra que se sustenta sólo en el soporte y no posee un imaginario, un argumento, tampoco es arte, tal vez solo corresponde a artesanía,  algo que se queda en lo estético. ¿Un gran actor ( soporte del teatro) se perderá en un mal texto o en una mala dirección?
Bueno es obvio que a todos nos surgen muchas interrogantes acerca de esto, el umbral entre lo que es y no es arte es un dilema que nos ha perseguido y nos perseguirá por mucho tiempo, pero seria interesante discutir en torno a esto
UD. QUERIDOS COMPAÑEROS ¿QUE OPINAN?

Más de David Lynch



Continuando con la publicación que hizo Lucas Balmaceda respecto a David Lynch, quiero compartir un cortometraje del mismo director que me mostraron un par de años atrás: "The Alphabet"

Nuevamente les dejo un link donde aparece la síntesis del corto y la ficha técnica.
 http://www.davidlynch.es/corto/alphabet

Mamma mia!


Ciclo de cine italiano
Centro cultural Matucana 100
Hasta el 10 de mayo 


Aquí les dejo una breve reseña y el link de la página para más información. Anímense!

"La idea de este ciclo es brindar al público una muy  buena oportunidad para acceder a films contemporáneos, con muy buena crítica, que permiten conocer en detalle la Italia de hoy. De esta manera se podrán apreciar temáticas  de tipo social como la vida urbana, las migraciones y el particular humor de los italianos. El ciclo demuestra, que en los últimos diez años, el cambio de la cinematografía italiana ha sido notable. Su producción actual considera alrededor de 100 títulos anuales incluyendo coproducciones. "


http://www.m100.cl/2011_03_cine_italiano.php

sábado, 23 de abril de 2011

Aspecto de las Obras de Arte


Muchas veces necesitamos que nos digan las cosas de distintas formas para lograr comprenderlas, por lo que buscando acerca de los contenidos que se dan en el texto “Naturaleza del Arte” para lograr una mejor comprensión, encontré esta página que ofrece diversa información acerca del arte y diseño; y en especial un tutorial que habla acerca de las tres partes que componen una obra de arte, del punto de vista estético.

Valores sensoriales: estos son captados a través de los sentidos del espectador, cuando lo deleitan y hace que “pasen cosas” siendo la puesta en escena, la que desenvuelve los sentidos, activándolos.

Valores formales: “forma” no significa lo mismo que “figura”. La forma va más allá a un hecho físico, sino que tiene relación con la organización de la obra (interrelación de elementos que la conforman); como por ejemplo:
una melodía es un ítem dentro de una sinfonía y a la vez esta se compone de algo más pequeño (notas), elementos que al estar dentro de un todo se leen como una sola cosa, donde a la vez cada una de sus partes puede ser analizada.

Valores vitales: son los valores agregados a la obra de arte por parte del espectador (sus propias vivencias), donde éste asocia ideas de su vida cotidiana a la obra, por lo que esta debe hacerse cargo de una vida exterior (contexto).

viernes, 22 de abril de 2011

" La deuda"

" Mi padre se quedó ciego cuando yo estaba en el vientre de mi madre. Al enviudar me convirtió en su lazarillo. Vivimos de la mendicidad. En estas épocas de crisis recibimos pocas limosnas. Andamos por un barrio tenebroso, hace frío, mi padre gime de hambre. < No te preocupes, le digo, comeremos.> Sacudo el polvo de nuestros abrigos y entramos en un restaurante chino. Nos sirven varios platos que devoramos con delicia. Le digo al servidor:< No tenemos con qué pagar.> <¿Está seguro?>, me responde sonriente y lanza un silbido que imita al ruiseñor. Llegan dos enormes chinos que me atan a la silla. Mi padre me murmura al oído:<Perdóname.> El servidor sale y luego vuelve trayendo un frasco y una cucharilla de marfil. Mostrándome los dos ojos que están en el interior de la redome me dice con dulzura: <No te preocupes, muchacho, me pagarás en la misma forma que lo hizo tu padre.> Y me hunde la cucharilla en las cuencas. <Un día, para saldar definitivamente la deuda, tendrás que traerme a tu hijo.>

"Inversamente proporcional"

"Un señor utiliza sus energías en coleccionar objetos. Otro decide eliminar los que tiene. Cuando no le quedan objetos materiales, comienza a eliminar movimientos, ideas, recuerdos, sentimientos, que considera innecesarios. Llega a una inmovilidad completa. El coleccionista lo recoge para colocarlo en un gran armario entre sus otros objetos."

"El símbolo"

- Maestro, he analizado su traje: cada prenda tiene un profundo significado. Pero hay un detalle que no he podido interpretar. ¿Qué significa su cinturón? 
- Significa que los pantalones no se me caen...

martes, 19 de abril de 2011

Mi padre se llama Jesús

Mi padre ha llevado gafas toda la vida. Toda la vida mia, claro, que él nació sin gafas y su vida comenzó entonces. Lo que es para mi toda la vida es una risa para mi padre, así que no quiero ni pensar en las carcajadas que se echan a mi costa los abuelos en el cuarto de estar . Porque ese cuarto es para estar y en ese ambiente las risas se desenvuelven bien. Tiene gracia porque en casa de mi madre, cuando éramos pequeños, mi hermano y yo nos pasábamos la vida en el cuarto de estar, que para mi era más "elcuartodestar", solía pronunciarlo siempre todojunto y rápido porque permanecer en esa pequeña estancia suponía un estado muy particular y concreto que no podía venir dado por más de una palabra. No sé si se entiende lo que digo. Allí había un teléfono verde muy ochentero digno de pertenecer a una mujer soltera, al que mi padre llamaba cada jueves. No me importaban los gritos, me gustaban los gritos de papá.
Menos aquella mañana. Entonces muchas cosas cambiaron. Cuando bajamos al portal mi padre estaba de espaldas. Le habíamos hecho esperar veinte minutos, aparecimos un poco despeinados, con los cuadernos de matemáticas bajo el brazo. Abrimos la puerta enorme de los barrotes fríos, él se giró, despacio, un pitido agudo perforó nuestras orejas infantiles, apretamos los puños, aguzamos la vista. Nos miramos entre nosotros, no sabíamos qué decir.

Ahora sí, pero quién era aquel extraño caballero.

Mi padre se había cambiado de gafas.

Evaluación GREED

La evaluación de soporte y contenido para la película GREED se realizará el próximo martes 26 de Abril. Nos vemos hoy en clases.
Recuerden que este jueves 21, por semana santa se cancela la clase.


Saludos,


Juan Carlos y Antonieta.

lunes, 18 de abril de 2011

Corto “Cuervos”: La búsqueda de la inspiración artística


Estuve pensando un poco acerca del corto "Cuervos" y he llegado a componer un pequeño análisis que he decidido subir al blog para sacármelo de la cabeza.

            El protagonista es un pintor amante de Van Gogh que busca, a través de sus pinturas, la misma chispa, la misma inspiración del pintor. Para esto se queda largo rato examinando sus pinturas, viajando adentro de ellas como un turista, tratando de encontrar la misma inspiración.

            Nuestro protagonista entra al cuadro desde su propio punto de vista, buscando el punto de vista de Van Gogh. El mundo creado por su visión es pictórico, de colores que llegan al borde de lo imposible. Las mujeres dentro del cuadro se ríen de él por querer ser como Van Gogh, ya que eso les costaría volverse loco, lo cual corresponde al miedo del propio protagonista.

            Durante su viaje y bastante alejado del punto de partida, encuentra un área de contacto entre su interpretación y la del maestro. Lo ve a la distancia,  pintando un paisaje. Desde esa sobre-posición, una especie de agujero, el protagonista se va metiendo en la mirada del artista. "Un paisaje no basta ser pictórico para ser un cuadro", le dice Van Gogh y le explica la forma en que él construye sus cuadros. Declara que la naturaleza tiene una belleza que se puede acumular y, cuando se acumula demasiada, el cuadro aparece ante él completo. Sin embargo, mantenerlo construido en su mente es dificilísimo. Luego la ventana entre los dos artistas se cierra, porque Van Gogh necesita seguir pintando, para sacarse sus cuadros de la cabeza. La fuerza de esta necesidad se compara con la de una locomotora.

            Nuestro protagonista lo persigue, saliéndose de su propia perspectiva y vagando ahora por los lugares que la mente de Van Gogh ha transformado en cuadros. Lo busca por largo rato, siguiendo su rastro hasta verlo desaparecer en el horizonte de su último cuadro. Esto representa la muerte del maestro, la absoluta imposibilidad de volver a encontrarlo. Entonces ocurre algo fantástico. Los pájaros comienzan a volar a su alrededor y el protagonista, abrumado por la belleza, ve el cuadro terminado frente a sus ojos. Finalmente entiende de dónde viene la inspiración de Van Gogh y siente increíbles ansias de pintar. Se saca su sombrero de viajero. Ya no lo necesita.

            De esta manera, el corto “Cuervos” representaría la búsqueda de la inspiración artística en las obras de los ídolos.



Por Rafael Varas

domingo, 17 de abril de 2011

Loop 3

Loop 3 funciona como una instalación artística que se construye mediante el contacto de los cuerpos en escena. Se estructura en base a nueve cuadros interpretados a través de la danza y la performance, recreando su inspiración en pinturas barrocas y fotografías contemporáneas que varían en el transcurso de cada secuencia. El espectador es quien decide desde dónde observar la obra, pues se desarrolla en un espacio abierto en el que la masa colectiva de cuerpos puede ser apreciada desde diferentes perspectivas. Los intérpretes transitan sus sensaciones cargadas de erotismo y sensualidad, mediante la variación del ritmo y velocidades, despojándose de sus ropas y apoyando sus cuerpos entre ellos para formar un flujo constante de movimientos. Al momento de ingresar a la sala, el espectador se encuentra sumergido por ésta atmósfera creada, ya que los bailarines se encuentran en acción, por lo que no existe un comienzo definido. Durante el desarrollo de la trama, la música juega un papel fundamental, pues es atenuada y acentuada según el instante lo requiere, para percibir la muestra como una sensación de juegos corporales que también suena, huele, transpira y respira.


No puedo mencionar más que positivismos para la obra, ya que no había tenido la experiencia de presenciar algo parecido. El lugar es ideal para el desarrollo de la trama, ya que el espacio permite hacer al espectador partícipe de cada secuencia, pues se tiene la libertad de observar desde cualquiera de las cuatro diferentes perspectivas, en donde se crean distintas estructuras según se mire la propuesta. Lo que me pareció aún más interesante fue el hecho de que no existiese un comienzo establecido, comprensible si nos situamos dentro de un contexto contemporáneo. La iluminación nos alberga en un espacio lúgubre, que sólo permite acentuar los cuerpos de cada intérprete, visualizando así el detalle en los movimientos y el contacto entre ellos, variando también en intensidad y cantidad de luces, lo que permite despertar a ésta gran masa corporal. A nivel interpretativo, el trabajo imprescindible de rescatar era la conciencia que existía del espacio y del otro, donde los movimientos eran ejecutados en el momento exacto, además del trabajo de foco tanto individual como colectivo, que en lo personal me sumía en la intimidación. Pude percatarme de que si bien la secuencia de movimientos se repetía, no caía en la monotonía ya que la variación del ritmo, velocidades, niveles, sensaciones, imágenes y música hacía que cada escena tuviese una evocación diferente, a lo que se añade el juego de la improvisación para crear una atmósfera distinta, ya que pese a ser una coreografía definida, los bailarines se daban el espacio para interactuar entre ellos y así enraizar relaciones que en un comienzo no existían. Por otro lado, el trabajo de elongación hacía que los movimientos fuesen lo suficientemente orgánicos para hacernos creer que el único estímulo previo era dejarse llevar por las respuestas corporales, además de la resistencia física que significó mantener el flujo constante de movimientos por cerca de una hora. Casi por regla general, lo mejor se deja para el final, quiero hacer principal ahínco en lo que mejor demuestra la categoría del espectáculo. El trabajo asiduo del peso, que hacía casi imperceptible al oído el sonido de los movimientos y del suelo, demostrado en la sudoración extrema de los intérpretes, en la respiración colectiva y en las evidencias que dejaban los cuerpos cuando de ejercer la fuerza se trataba; mediante tomadas, contrapesos y acrobacia, dejando entre ver su musculatura y su cansancio, sin “botar” nunca la energía, pues aún cuando los cuerpos estaban quietos, éstos no descansaron hasta el último momento.


sábado, 16 de abril de 2011

¿Pasado a caca?

Se dice que en el antiguo teatro, ese al que asistía la burguesía en carruajes, fue donde se acuñó por primera vez la frase: "Mierda Mierda. La célebre expresión de buena ventura usada por los actores derivaría entonces de la estrecha relación existente entre la cantidad de público que llegaba a caballo a ver las funciones y la mierda que éstos dejaban en la entrada.

Sin embargo, la caca encontrada a las afueras de Anfiteatro del Bellas Artes no es sinónimo de un gran éxito de taquilla, ni de burgueses, ni de buena ventura... Es caca humana, que muchas veces impide que este espacio sea reconocido públicamente como epicentro cultural.

Ubicado en el alternativo Parque Forestal, el Anfiteatro es un espacio abierto a compañías emergentes, independiente del Museo, que está a punto de ser enrejado. Conversamos con Soledad Yañez, una de las encargadas de la administración para que nos contara del proyecto, sus problemas y sacara la mierda afuera




Por Kjesed

jueves, 14 de abril de 2011

L'antichambre: Cómo situarnos en un contexto Contemporáneo

Encontrar nuestro propio sentido de la identidad, saber quienes somos, expandir nuestra sensación del yo y del autoconocimiento personal, sólo se logra mediante la redención absoluta del cuerpo, como nuestra única verdad. L'antichambre, a través de la creación propone el trabajo corporal como medio de expresión artístico. La atmósfera instalada nos sitúa en lo urbano, lo cotidiano; que va desde el jeans a la fotografía y de cómo estos elementos proponen una mayor relación entre el arte y el espectador. En la danza contemporánea, lo escencial es interpretar desde los movimientos con la intención de comunicar un mensaje. En el siguiente extracto les invito a estimular la curiosidad de saber más sobre ustedes, y los demás.


martes, 12 de abril de 2011

Lynch y la espacialidad en "Mulholland drive"

Si queremos de una vision integrada de las artes encuentro casi obligatorio disfrutar del cine de este excelente director; David Lynch. En sus peliculas podemos contemplar como une todo tipo de arte para llevarlo a una secuencia escenica. De mas esta decir que el incluso revelo su ambicion por hacer parecer su cine a una pintura.
A traves de toda su trayectoria he podido ver como a intentado de llevar a la camara la manera en que  funciona el mundo onirico, desde el punto de vista de suen~os, fantasias y submundos socioculturales. Y en esta obra "Mulholland drive" creo que finalmente lo logro a la perfeccion.
En cuanto a la espacialidad que estamos viendo en "avaricia" creo que es interesante ver como Lynch la manipula en esta cinta, ya que es una herramienta escencial para entender la trama y tambien creo constructivo crear un paralelo con esta obra contemporanea y  una del pasado.

Lucas Balmaceda Pascal http://www.youtube.com/watch?v=IXCAH8eprZA&feature=related

Clase Martes 12 suspendida

A pesar que el aviso por web llega tarde, la Facultad de Artes ha puesto un aviso en la sala de clases.

Por motivos de fuerza mayor el profesor Montagna ha debido suspender la clase de hoy.

Nos vemos el jueves 14.

Saludos,

Antonieta

lunes, 11 de abril de 2011

Antipoesía



EL ANTIPOEMA, PRECEDENTE DEL ARTEFACTO VISUAL




Estos artefactos visuales no son sino otra variante de los antipoemas, el género que le ha dado a Nicanor Parra el reconocimiento universal. El antipoema es la respuesta a una época que ya no puede recitar las alabanzas de la naturaleza, ni celebrar al hombre, ni glorificar a la divinidad, porque todo se le ha vuelto problemático y difuso, comenzando por el lenguaje. 

En compensación, el antipoema trata de realizar un acercamiento desde la teoría de la relatividad, aunque imperfecto, que recupere por mediación de la palabra la subjetividad perdida y que sea capaz de crear nuevas formas de comunicación, nuevos territorios artísticos aún sin explorar. Nicanor Parra da, en definitiva, un triple salto mortal al vacío metafórico provocando el escape de energía de un objeto inerte mediante explosión. La mecha que enciende es la de las palabras que acompañan a la imagen.



Nicanor Parra.





jueves, 7 de abril de 2011

Skhizein



Con un cortometraje que está más abajo me acordé de una sensación muy común en mí anteriormente, sensación que por una entrada anterior de una niña de teatro, supongo que a muchos también les ha pasado. Esa en la que uno se siente fuera de sí mismo, como que no encajas...
Sin embargo, ahora que estudio lo que en verdad me apasiona, siento que por fin estoy donde debo estar. Aunque a ratos se ponga atareada o difícil la cosa, es gratificante la otra sensación, de cuando amas lo que haces, sea teatro o arte el caso, que estás bien, en sintonía contigo mismo...no sentirse 91 centímetros fuera de uno mismo es lo mejor.. no creen compañeros?.

Aquí dejo el corto que me recordó la entrada anterior y que quiero compartir con ustedes. Véanlo es muy bueno (:.







Saludos!

Constanza Macras

Algo más de danza...


Rey Lear - TEUC

martes, 5 de abril de 2011

The Voca People



A los alumnos de actuación en percepción vocal nos mostraron este video que quiero compartir con ustedes. Quise subirlo porque me pareció muy impresionante como este grupo de música puede llegar a crear un ambiente sonoro tan exquisito solamente con el uso de la voz.

The Voca People es un grupo musical y teatral israelí de relieve internacional, que combina canto a capela y beatboxing, logrando sonar sin instrumentos musicales como una orquesta.

Espero que les guste, y si les interesa saber más sobre ellos aquí les dejo la página web:
http://www.voca-people.com

Arte que genera conciencia

Luego de ver la últimas entradas, que hacían referencia a "Avaricia" y a su director, pense en como la película trata de mostrarnos una realidad y un problema muy enraizado en nuestra sociedad, pero yo creo, que "Avaricia", en cuanto ser "Arte con contenido" no es una excepción ni mucho menos.
A mi punto de vista el arte (salvo el estrictamente comercial), es una lupa que nos expone los problemas por lo que esta pasando nuestra sociedad, como en este caso, la película nos muestra - con una anticipación asombrosa a el mundo de hoy - el problema del individualismo y de la sociedad de consumo que nos termina consumiendo como individuos.
Aqui es donde entra en juego el arte, ya que a mi modo de ver, que talvez choque con el de algunos compañeros, el arte, sea teatro, sea cine, sea una instalación, o una canción, tiene una función "educadora" con la sociedad, llevando a escena problemas y situaciones que nos pasan inadvertidos o que no les damos la suficiente importancia, y si bien es muy probable que después de ver, oir, o visitar alguna muestra artística, mucha gente olvide a los pocos días el problema que se le presentó, hay gente a la que la obra le va a calar hondo, y va a hacer conciencia a partir de ella. Y aunque sea tan solo una persona la que piense, la que tome conciencia y la que salga de la sala sintiendose distinto y queriendo hacer un pequeño cambio y aportar con su grano de arena al problema expuesto, el objetivo esta cumplido.
Ahora pienso que talvez ese sea un punto de integración del arte. Talvez ser una vía de escape a los problemas y ponerlos encima del tapete sea un objetivo común de las artes...

La puerta celeste: Conversations in light

Acerca de lo expuesto en la última clase, de cómo inmiscuirnos en el arte desde la objetividad colectiva, fui partícipe de este proceso dentro del campus. La galería Macchina ha abierto al público las instalaciones de Tony Hornecker junto a las fotografías de Manuel Vásquez en una exposición llamada "Conversations in light". Desde fuera todo ocurre más a tiempo real de cuando nos sumergimos en la atmósfera creada por estos dos artistas. Al formar parte de este círculo vicioso de testimonios y acontecimientos, todo lo que acontece fuera deja de ser quejumbroso y nos integramos en el nuevo mundo construido por Hornecker. Esta es mi visión de ahora y, es que al enfrentarnos a una obra de arte, aún se nos hace difícil dejar a un lado lo subjetivo. El espacio se tapiza en colores y la escena artística Europea se traslada ante el espectador. Para ocupar un espacio se necesita ancho, alto y profundidad. El desafío en adelante es dar cuenta de un punto de vista, que se fragua en la experiencia formativa de artistas situados en un contexto contemporáneo, como es el caso en que nos encontramos.




"Hornecker y Vásquez nos transportan hacia una experiencia total de la resignificación del espacio, la escala de los objetos, de la luz y el color, trascendiendo los límites de lo escenográfico y del eclecticismo visual, desplazándonos ambiguamente desde lo real a lo irreal". Ramón López Cauly.

"La exposición del artista inglés Tony Hornecker junto con la visión del fotógrafo colombiano Manuel Vásquez, quien a través de su óptica da cuenta de los espacios, situaciones construidas y provocadas por Hornecker". Luis Prato Escárate.

"Se construye un espacio al interior de otro espacio, en una puesta en escena donde conviven imágenes y objetos que nos hablan desde otros lugares, porque los viajes, por sobre todas las cosas, son una invitación a situarnos en territorio desconocido". Mónica Bengoa.




Hornecker imagina y construye espacios cargados de referencia; Vásquez los transforma en atmósferas y en espacios de la imaginación.

"Hornecker y vásquez tienen una fijación constante: lo inusual. A través del trabajo escenográfico del primero, materiales de desecho cargados de mensajes sobre vidas pasadas se unen para una efímera función de circo. El segundo es el encargado de traducir el espíritu etéreo de la función en imágenes fotográficas". Rodrigo Orrantia.




- Si sigues a tu nariz y abres tus oídos y dejas que la brisa traiga el vaho del humo del cigarrillo y un dejo de alcohol, te verás impulsado por una promesa de amor - Tony Hornecker, The Pale Blue Door Londres.

Compañeros, la invitación queda hecha, galería Macchina en Campus Oriente les espera.

¿Hasta donde llega la avaricia en la sociedad moderna?

Opinión emanada del filme Avaricia de E. von Stroheim
Hoy en día la avaricia gobierna la sociedad, hasta me atrevería a mencionar que se ha construido un vínculo implícito y mal intencionado entre lo que llaman "sana ambición" y lo que es la avaricia, me refiero a que han confundido términos y hoy por hoy más que visionarios o ambiciosos hay avaros.
Existe una avaricia incrustada en el seno de la sociedad occidental, por los recursos, por las ideas y por las opiniones. La masa en general quiere acaparar casi compulsivamente todo lo que sea posible, para no sentirse arrastrados por la multitud, ya que hoy en día no hay casi identidad individual, somos una masa viviente y muchas veces sofocante que lucha con uñas y dientes para sobrevivir en un mar de egoísmo e individualismo.
Debemos tomar conciencia de esta condición y, aunque antiguo, el filme Avaricia trata de lograr exactamente esto, hacer que abramos los ojos ante nuestra realidad.
Tenemos que desligarnos de la avaricia. La sociedad sólo podrá crecer el día en que trabajemos todos juntos por nuestro bienestar en vez de que tiremos cada uno para un lado diferente.